Eine Reihe von spannenden neuen Filmen waren beim 41. DOK.fest München, dem wohl wichtigsten Festival internationaler Dokumentarfilm-Kultur, zu sehen. Über zwei Tanzfilme habe ich schon bei tanznetz berichtet. Hier seien jetzt noch zwei Filme besprochen, die mir besonders aufgefallen sind – im Positiven wie auch - stellenweise - im Negativen. 

Erinnerungen an Ingeborg Bachmann anlässlich ihres 100. Geburtstags

“Ingeborg Bachmann – Jemand, der einmal Ich war” hat Regisseurin Regina Schilling ihren Film überschrieben, der am 25. Juni, dem 100. Geburtstag der Schriftstellerin, in die Kinos kommt. Sie stützt sich dabei nicht nur auf dokumentarisches Material über die Schriftstellerin, sondern bemüht mit Sandra Hüller eine der bekanntesten Schauspielerinnen unserer Zeit um eine fiktionale Annäherung an die schwierige Biographie dieser besonderen Frau. Und genau das wird bekommt dem Film leider überhaupt nicht. Zu gekünstelt wirkt es, wenn sich Sandra Hüller eine Perücke überstülpt und einen Tag lang so tut, als sei sie Ingeborg Bachmann. Zu bemüht erscheint es, wenn sie versucht, sich um 70 Jahre zurückzuversetzen, in eine Zeit, die es Frauen schwer gemacht hat, sich zu behaupten, einen eigenen Platz zu finden, Anerkennung und Respekt. 

Der Film hätte dieses Kunstgriffs gar nicht bedurft, denn die dokumentarischen Aufnahmen, Interviews und von Ingeborg Bachmann selbst gelesenen Texte sind überzeugend genug. Wo immer das Originalmaterial aus den 1950er, 60er und 70er Jahren eingespielt wird, bekommt man eine Ahnung davon, was diese Schriftstellerin aushalten musste. Wie anders diese Zeit war, wo von Emanzipation der Frau noch keine Rede war, wo die Männer nicht nur die Politik, sondern auch die Literatur, die Kunst und das alltägliche Leben beherrschten. Entlarvend zeigt die Kamera die Gesichter dieser Herren, die meinten etwas Besseres zu sein und sich über Frauen erheben zu können. Die davon überzeugt waren, nur sie könnten kreativ sein, die Künste bereichern – ob Literatur, Malerei oder Musik. 

Beklemmend eng wird einem ums Herz, wenn man in den Aufzeichnungen aus dieser Zeit verfolgt, wie Ingeborg Bachmann ihren einsamen Weg geht durch diese Jahrzehnte, wie sie in der Liebe scheitert, immer wieder, an der Arroganz, Selbstüberhöhung oder Bindungsunfähigkeit ihrer Partner – Paul Celan, Hans Werner Henze, Max Frisch – und letztlich auch ihrer eigenen, von den Kriegsjahren und vom Unverständnis der männlich geprägten Literaturszene gezeichneten verletzten Seele, die auch der frühe Ruhm für ihre Lyrik nicht heilen konnte. Diese Dokumentaraufnehmen zeigen eindringlicher als alle Szenen mit Sandra Hüller, wie sie dennoch überlebt, vollgestopft mit Psychopharmaka, Alkohol und Nikotin – damals war es üblich, Frauen mithilfe von Valium und anderen Tranquilizern zu behandeln, um sie anpassungsfähig zu machen an das, was von ihnen verlangt wurde: Unterordnung und Gehorsam. Ingeborg Bachmann war in der Literaturszene eine der wenigen, die erfolgreich dagegen aufbegehrten mit ihrer Lyrik und Prosa, die zum Ventil wurden für die geschundene Seele: „Ich existiere nur, wenn ich schreibe", sagt Ingeborg Bachmann in ihrer Dankesrede für den Anton-Wildgans-Preis 1972. "Ich bin nicht, wenn nicht ich schreibe. Bin mir vollkommen fremd, aus mir herausgefallen, wenn ich nicht schreibe.“ 

Und so lohnt es sich trotz der immer wieder dazwischen gestreuten Szenen mit Sandra Hüller, diesen Film anzuschauen. Weil er uns eine Frau nahebringt, die so oft missverstanden wurde, die tragisch an einem in Brand geratenen Nachthemd starb, was im Film nicht weiter thematisiert wird, was aber doch wie ein Fanal erscheint angesichts der ganzen Vorgeschichte. Man versteht die Abgründigkeit dieser sehr besonderen Schriftstellerin besser, wenn man diese Dokumentaraufnahmen und Interviewszenen gesehen hat. 

Ingeborg Bachmann. Jemand, der einmal ich war
95 Minuten 
Regie: Regina Schilling 
Musik: Soap&Skin
Produzent: Thomas Kufus
 

Frauen im Eis

Um die Jahrhundertwende wetteiferten verschiedene Männer darum, als erster am Nordpol gewesen zu sein. Heute kann man kaum noch nachvollziehen, welche Anziehungskraft solche noch nicht eroberten Flecken auf dem Erdenrund hatten, wie sehr sie die Phantasie beflügelten und den Ehrgeiz anheizten, nicht nur der einzelnen Forscher, sondern auch der Länder und Mäzene, die sie finanzierten und ihren Anteil haben wollten an Ruhm und Ehre. Denn derartige Expeditionen verschlangen Unsummen Geldes und bargen extreme Gefahren. 

Wer diese Pioniertat wirklich erstmals geschafft hatte, ist bis heute nicht so ganz geklärt. Bisher galt Robert Peary als der Erste. Er gab vor, es nach sieben vergeblichen Anläufen als 52-Jähriger 1909 endlich geschafft zu haben. Sein Konkurrent damals war Frederick Cook, der ebenfalls den Heldenstatus des Entdeckers anstrebte und ebenfalls behauptete, als Erster am Pol gewesen zu sein. Wahrscheinlich waren sie es beide nicht, denn aus ihren Aufzeichnungen und Dokumenten geht es nicht eindeutig hervor. 

Was in all den Berichten und Erzählungen jedoch verschwiegen wird, ist der Anteil der Frauen an derlei Erfolgen. Diese Lücke füllt jetzt ein überaus sehenswerter Film, der drei Polarforscherinnen ein Denkmal setzt: Da ist Josephine Peary (1863 – 1944), die Frau von Robert Peary, die mitten im Eis ihre Tochter gebar und maßgeblich beteiligt war, dass die Expeditionen ihres Mannes überhaupt zustande kamen. Sie schrieb Bücher, die zu Bestsellern wurden und finanzierte damit maßgeblich das teure Hobby des Gatten. Da ist Ada Blackjack (1898 – 1983), eine Inuit, die auf Wrangel Island als einzige einer Gruppe Forschungsreisender überlebte. Und da ist Louise Arner Boyd (1887 – 1972), die sieben große Arktisexpeditionen leitete und dokumentierte. 

Dieser Film ist umso bedeutsamer, als es noch vor 50 Jahren kaum möglich war, dass Frauen an Expeditionen in Arktis und Antarktis teilnahmen. Erst im Zuge der Frauenbewegung in den 1970er Jahren brach sich die Erkenntnis auch in den Chefetagen der Forschungseinrichtungen Bahn, dass Frauen die gleichen Rechte auf Forschung hatten wie Männer. Mit hanebüchenen Begründungen hatten es die Kapitäne bis dahin zu vermeiden gewusst, Frauen auf die oft wochen- und monatelangen Exkursionen mitzunehmen. Es gebe zu wenig Toiletten an Bord, hieß es z.B., oder sie würden die mitreisenden Forscher und ebenso die Mannschaft “verrückt machen”. Nur: Wer nicht mitreiste, erhielt in der Benotung der Diplom- oder Doktorarbeit einen Abzug – schließlich hatte man das Forschungsmaterial nicht höchstselbst eingesammelt, sondern war auf die Gnade der Kommilitonen bzw. Professoren angewiesen. Eine beispiellose Benachteiligung, die mit dem Grundgesetz nicht vereinbar war.

Dass nun mit diesem Film den großen Vorkämpferinnen aus Zeiten der Jahrhundertwende und ebenso der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts die Ehre erwiesen wird, ist eine weitere Genugtuung und schlägt eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart. 

Eisfrauen / Ice Women
90 Minuten
Buch und Regie: Dorothea Braun, Jens Becker 
DOK.fest München 2025, Official Selection

Ein Mann liegt bäuchlings in einer Wiese. Schlafend. Er erwacht und erhebt sich langsam von seiner Unterlage. Die ist, erst da erkennt man es, der Rumpf eines Pferdes. Auch das Pferd erwacht. Beide gehen weg, ein Hund folgt. Schnitt. Drei Männer reiten in wildem Galopp über flaches Land, anhand ihrer Kleidung und ihrer Sättel als eine Art Cowboys erkennbar. An ihrem Aussehen und ihrer Kleidung wird jedoch klar, dass wir nicht in der Prairie Nordamerikas sind, sondern im Süden, in Argentinien, wo die Gauchos, nomadische Viehhütergemeinschaften im Nordwesten des Landes, an der Grenze zu Chile und Bolivien, eine lange Tradition haben. 

Es sind stolze Männer, der Natur tief verbunden, mit einer eigenen Spiritualität, mit über Jahrhunderte geschärften Sinnen für ihre Tiere, den Kosmos und seine Launen. Menschen, die der allgemeinen Technisierung unserer Welt trotzen. Die aber auch ihre ganz eigenen Regeln haben. Dazu gehört, dass Gauchos eine Männerdomäne sind. Der Titel des Films, der seit heute in den Kinos ist, kommt nicht von ungefähr: Mit „Gaucho Gaucho“ werden Männer bezeichnet, die sich strikt nach den Traditionen richten und den historisch geformten Ehrenkodex der Gemeinschaft aufrechterhalten. 

Entsprechend revolutionär ist es, wenn hier eine junge Frau, die 17-jährige Guada, sich entschließt, Gaucha zu werden. Schon in der Schule setzt sie ein Zeichen und verweigert die dort verordnete Uniform – sie trägt lieber Gaucho-Kleidung: weite dunkle Hose, weißes Hemd, Wollponcho, breitkrempiger Hut. Und wird damit natürlich zur Außenseiterin, die sich erst einmal mit viel Mut und Beharrlichkeit durchkämpfen muss, um ihr Ziel zu erreichen. Der Film erzählt aber auch die Geschichte des Gauchos Salano und seinem kleinen Sohn Jony, dem er all das beibringt, was ein Gaucho können muss. Und er lässt den 84-jährigen Gaucho Lelo von seinen Erfahrungen und Erlebnissen berichten. 

Von Beginn an wird klar, dass das hier kein schwülstiger Retro-Film ist, der seufzend die Vergangenheit beschwört. Es ist vielmehr ein Weckruf an unsere Gesellschaft heute, sich auf Werte zu besinnen, die in Vergessenheit geraten sind. Auf Werte wie Gemeinschaft, Solidarität, Respekt vor der Natur und anderen Menschen. „Gaucho Gaucho“ – das ist ein ungemein einfühlsamer Film, der, gerade weil er in Schwarz-Weiß gedreht ist, sofort mitten ins Herz trifft, nicht zuletzt aufgrund der großartigen Regie und Kameraführung von Michael Dweck und Gregory Kershaw. Er ist eine Huldigung an die Ureinwohner Südamerikas, die gegen die Conquistadores, die spanischen Kolonialherren, rebelliert haben – erfolglos. Und doch sind ihre Nachfahren noch am Leben, besinnen sich auf ihre Traditionen und Werte. Ähnlich wie die indigenen Völker auf anderen Kontinenten kämpfen sie jedoch mit den Folgen der Zivilisation, mit der Einschränkung ihres Lebensraums, mit Dürren und Überschwemmungen, mit Staubstürmen und extremen Temperaturschwankungen. 

„Wir erzählen von ikonischen Gauchos, die jenseits der Grenzen des modernen Universums leben und sich mit der Brüchigkeit ihrer Welt angesichts eines beispiellosen Wandels auseinandersetzen“, sagt Michael Dweck. „Die Geschichten folgen dem Leben von Männern und Frauen unterschiedlichen Alters, unterschiedlicher Herkunft und unterschiedlicher Fähigkeit, die all in ihrem Kampf um Freiheit miteinander verbunden sind.“ Und Gregory Kershaw ergänzt: „Es geht darum, ein Bild zu kreieren, das ein Gefühl vermittelt.“ 

Das ist den beiden und ihrem argentinischen Team auf großartige Weise gelungen – dieser Film bleibt im Gedächtnis, lässt nachdenklich werden und öffnet das Bewusstsein für den Wert der Traditionen. „Wenn man Zeit in dieser Gemeinschaft verbringt“, sagt Michael Dweck, „erkennt man, dass wir in der modernen Welt so viel verloren haben, und zwar so langsam und schrittweise, dass wir gar nicht merken, was uns fehlt.“ Dieser Film trägt dazu bei, dass wir uns dessen wieder mehr bewusst werden und Konsequenzen daraus ziehen. 

Nicht ohne Grund hat er bereits einige wichtige Auszeichnungen eingeheimst, u.a. den U.S. Documentary Special Jury Award  beim Sundance Film Festival 2024, den Letterbord Piazza Grande Award beim Locarno Film Festical 2024 und den ASC Award 2025 der American Society of Cinematographers.  

Gaucho Gaucho
Regie und Kamera: Michael Dweck, Gregory Kershaw 
Schnitt: Gabriel Rhodes
Produktion: Beautiful Stories Productions
 

Fast fünf Stunden dauerte das Spektakel, und wer dabei sein durfte, wird es sein Leben lang nicht mehr vergessen: "Saint François d'Assise" des französischen Komponisten Olivier Messiaen (1908-1992). Mit gut vier Jahren Verspätung (Corona-bedingt!) stand dieses fast fünfstündige Opus jetzt endlich auf dem Spielplan. Und auch wenn es als Oper in drei Akten und acht Bildern konzipiert ist, so ist es doch weniger eine solche als vielmehr ein musikalisches Event der Extraklasse. Es erzählt vom Leben und Glaubenssätzen des Heiligen Franziskus (1181-1226), der im 13. Jahrhundert den Orden der Franziskaner-Mönche begründet hat und auch am der Gründung der "Klarissen" mit beteiligt war. Er hatte ein Herz für die Armen und lebte selbst in größter Bescheidenheit und Demut. Legendär ist auch seine Liebe zur Natur und vor allem zur Vogelwelt.

In Auftrag gegeben wurden die "Franziskus-Szenen", wie Messiaen sein Werk untertitelte, von Rolf Liebermann (1910-1999) während dessen Intendanz an der Pariser Oper (1973 bis 1980), wo er – ebenso wie zur Zeit seiner Hamburger Intendanz (1959-1973 und 1985-1988) – mehreren zeitgenössischen Komponisiten Auftragswerke verschaffte. Kent Nagano (geb. 1951) und seit 2015 Hamburgs Generalmusikdirektor, war damals Assistent von Messiaen und bereitete die Uraufführung 1983 mit vor. Schon deshalb war er der ideale Dirigent für dieses Riesenwerk – niemand kennt es so gut wie er.

Schon wegen der Fülle der beteiligten Musiker kann "Saint François d'Assise" nicht in einem normalen Opernhaus aufgeführt werden. In Hamburg waren über 300 Mitwirkende beteiligt: neben den neun Gesangssolisten (darunter nur eine Frau als Engel) das gesamte Philharmonische Staatsorchester mit 120 Musikerinnen und Musiker beteiligt, sowie ein großer Chor (die Audi Jugendchorakademie und das Vokalensemble LauschWerk) und die Kinder- und Erwachsenen-Komparserie der Staatsoper Hamburg. Wo also, wenn nicht in der Elbphilharmonie mit ihrem Weinberg-Konzertsaal, könnte so ein voluminöses Werk aufgeführt werden? Genau dort gehört es hin, in diesen Saal mit seiner Großzügigkeit und filigranen Akustik. Aufgrund des mit jeder Vorstellung verbundenen riesigen Aufwands wurde es jedoch nur dreimal aufgeführt.

Sänger wie Musiker vollbrachten an diesem Abend eine Glanzleistung – Kent Nagano, die umfangreiche Partitur auf dem Pult vor sich, hatte allesamt perfekt im Griff, nie ließ seine Konzentration nach, und auch die Musikerinnen und Musiker sowie der Chor folgten bis zum sich ins Unendliche steigernden Forte am Schluss jeder auch noch so kleinen Geste und agierten mit höchster Präzision. Schon das war eine fulminante Leistung.

Den optischen Rahmen hatte Georges Delnon entworfen, der 2015 mit Nagano als Intendant an die Hamburgische Staatsoper kam. Er ließ direkt über der Bühne eine Plattform bauen, die über zwei Laufstege zugänglich war. Jacques Imbrailo, der den Part des Franziskus übernahm, steht somit stets im Mittelpunkt (und hat dort freundlicherweise auch ein iPad mit den Noten und Texten zur Verfügung – anders wäre diese Riesenpartie vermutlich auch kaum zu stemmen). Das ist ebenso schlicht wie gekonnt zugleich. Auch dass er den Engel (mit warmer Klangfülle intoniert von Anna Pohaska) ganz in weiß gekleidet mit Glitzerapplikationen von verschiedenen Rängen und später auf einer kleinen Plattform mit einem silbernen Band als Sicherungs-Begrenzung in neun Meter Höhe singen ließ, war ein gelungener Einfall.

Weniger stimmig, um nicht zu sagen: überflüssig waren jedoch die Filme, die ebenso wie die Übersetzung der französisch gesungenen Texte auf eine ringförmige Leinwand projiziert wurden. Die Filme befassten sich mit Themen, die den Heiligen Franziskus zeitlebens beschäftigten: Armut, Bescheidenheit, Einsatz für die Bedürftigen, Liebe zur Natur, Mitgefühl. Delnon hatte dafür Video-Sequenzen drehen lassen: Da begleitet er zum einen einen Hamburger Obdachlosen zu einem Dusch-Bus und unterstützt das Hamburger Straßenmagazin Hinz und Kunzt, über dessen Verkauf Menschen, die in Hamburg auf der Straße leben, sich ein Zubrot verdienen. Zum anderen besucht er Mojib Latif, den Präsidenten des Helmholtz-Zentrums für Ozeanforschung in Kiel und Päsidenten des Club of Rome Deutschland und der Akademie der Wissenschaften in Hamburg – womit er das Thema Klimawandel und die damit verbundenen Umweltprobleme in den Mittelpunkt stellt. Man sieht Latif in seinem Büro oder durch Feld und Flur wandelnd, man sieht durch Windbruch zerstörte Wälder und andere Bilder mehr. Des Weiteren begleitet Delnon mit der Kamera die "Seawatch 5" im Mittelmeer, die sich als Seenotrettungsboot um Flüchtlinge kümmert, die dort in Seenot geraten, und ebenso einen Franziskaner-Mönch auf eine Elbinsel, eine Musikerin in die Probenräume der Staatsoper zu Proben oder Kent Nagano in sein Büro sowie eine Sterbebegleiterin in das Hospiz im Helenenstift in Hamburg.

Das ist alles sicher gut gemeint, wirkt aber - vor allem im Zusammenhang mit den Texten - doch etwas aufdringlich und oberlehrerhaft, teilweise auch geschmäcklerisch. Schließlich wissen wir alle um die dort angesprochenen Probleme, und sicher erwachen in jedem von uns beim Lesen der Texte und ebenso beim Hören der eindringlichen Musik eigene Bilder und Vorstellungswelten, die die Aussagen des Heiligen Franziskus in der Gegenwart spiegeln. Es hätte der Belehrung durch Georges Delnon in Form der meist in Schwarz-Weiß gedrehten Videos dafür nicht bedurft. Dass sich nach der zweiten Pause die Reihen doch merklich gelichtet hatten, ist vielleicht auch auf diesen Umstand zurückzuführen, dass man genervt war von so viel optischer Überbeanspruchung. Stellenweise huscht dazu noch ein in einen quietschgrünen Regenumhang gehülltes Kind mit einer Stirnleuchte durch die Ränge oder sitzt, eine Weltkugel umarmend, am Bühnenrand – auch das ein reichlich überflüssiges Beiwerk.

Letztlich konnten diese Details den Gesamteindruck jedoch nicht schmälern (man konnte immer wieder auch einfach nur die Augen schließen, um die aufdringlichen Bilder auszublenden). Es war ein grandioser Abend, der noch lange nachwirken wird und mit dem sich Kent Nagano ein für allemal ein Denkmal in der Hamburger Musikwelt gesetzt hat.

Mathieu, geschätzte Ende 40, ist ein höchst erfolgreicher Pariser Schauspieler, ein Star. Von heute auf morgen schmeißt er jedoch alles hin, sagt die lange geplante Premiere ab und zieht sich für eine Woche in ein Wellness-Hotel an der bretonischen Küste zurück. In der Einsamkeit außerhalb der Saison will er sich überlegen, was er wirklich will, wie seine Zukunft aussehen soll. Denn so, wie er bisher gelebt hat, ergibt es für ihn keinen Sinn mehr. Midlifecrisis nennt man das. Seine Lebensgefährtin, eine bekannte Nachrichtensprecherin, kann mit seinen Selbstzweifeln wenig anfangen, unterstützt ihn aber in seinem Rückzug und baut darauf, dass sich alles schon wieder irgendwie einrenken wird.  

Im Hotel erreicht Mathieu eine Nachricht von Alice – sie lebt ganz in der Nähe und hat erfahren, dass er sich dort aufhält. Vor 16 Jahren hatten sie beide eine Liebesbeziehung, die Mathieu jedoch abrupt beendet hat. Alice fiel in ein tiefes Loch, zog sich aufs Land zurück, gab ihre Karriere als Pianistin auf, heiratete einen Arzt und bekam eine Tochter. Seither ist sie als Klavierlehrerin tätig. Jetzt fragt sie Mathieu, ob sie sich nicht mal treffen sollten. Mathieu willigt ein. 

Und so reflektieren beide noch einmal ihre Begegnung vor dem Hintergrund ihres Lebens. Sie spüren noch eine Verbindung, sie haben noch nicht abgeschlossen. Alice zeigt ihre Verletztheit, Mathieu seine Ratlosigkeit. Sie finden sich in ihrer wechselseitigen Einsamkeit. Und gehen um viele Erfahrungen reicher in die Zukunft. 

"Zwischen uns das Leben" ist ein wunderbarer, zärtlicher Film mit großartigen Darstellern: Guillaume Canet als Mathieu in seiner Hilflosigkeit, seiner Orientierungslosigkeit, seiner Unsicherheit und seinen Selbstzweifeln. Noch berührender Alba Rohrwacher als Alice - verletzlich und stark zugleich, mit einer fluiden Transparenz und ungeschminkten Aufrichtigkeit. Gerade damit vermag sie Mathieu eine neue Orientierung zu geben und erhält umgekehrt von ihm die Wertschätzung, die sie so lange entbehrt hat. Ob und wie es mit den beiden nach diesen wenigen Tagen weitergeht, sei hier nicht verraten. 

Regisseur Stéphane Brizé erzählt hier "die Geschichte von zwei Menschen, die sich nicht streiten, die ein wenig erschöpft sind von den Jahren, die hinter ihnen liegen, und die nicht versuchen, einander zu verführen", sagt er in einem im Presseheft zum Film abgedruckten Interview. "Zwei Menschen, die nicht versucht haben, einander zu finden, die sich freuen, einander wiederzusehen, weil sich die Gelegenheit zufällig ergeben hat, die keinen Hass gegeneinander hegen." Der Zuschauer erfahre etwas über den Schmerz der beiden, ohne dass sie ihn sich gegenseitig zeigen. Es ist "ein Film über eine Geschichte, die zu einem Ende kommt. Keine Geschichte, die neu startet in einem Moment im Leben, in dem man sein Schutzschild ablegt. Ein Moment, in dem wir lieber ein schlechtes Gewissen riskieren würden als uns selbst davon abzuhalten, etwas zu sagen oder zu tun. Ein Moment im Leben, in dem ein Mann und eine Frau Platz für das Wesentliche machen müssen. Zwei Menschen, die sich endlich die Wahrheit sagen. Um zu bleiben, wie sie waren ... aber auch, um ein bisschen besser zu werden." 

Ein wunderbarer, sehr berührender Film. 

"Zwischen uns das Leben"
Regie: Stéphane Brizé
Drehbuch: Stéphane Brizé, Marie Drucker
Kamera: Sidonie Dumas
115 Minuten 
ab 1. Mai 2024 in den Kinos

Es ist kein Geheimnis, dass in den USA viele Menschen, vor allem Schwarze, zu Unrecht im Gefängnis sitzen – oder zumindest keinen fairen Prozess bekommen. "Black Lives Matter" war nicht ohne Grund eine Antwort auch auf diesen Missstand. Jetzt kommt ein Dokumentarfilm in die Kinos, der sich mit diesem Thema beschäftigt. Über fast zehn Jahre hinweg hat Regisseurin Nele Dehnenkamp Michelle Bastien-Archer begleitet, deren Mann Jermaine Archer eine 22-jährige Haftstrafe in berüchtigtem Sing-Sing-Gefängnis in der Nähe von New York verbüßt. Ein Mord wurde ihm angelastet, aber es gibt massive Zweifel an der Rechtmäßigkeit des Urteils. Die Beweislage war mehr als dürftig, und in der Zwischenzeit sind neue Beweisstücke aufgetaucht, die weitere Zweifel an seiner Schuld nähren und das Urteil in Frage stellen. 

"For the time being" beschreibt ebenso spannend wie bewegend, wie es sich anfühlt, einem Mann in dieser Situation nicht nur die Treue zu halten und eine Beziehung über kurze R-Gespräche und die wenigen Wochenend-Besuche in vom Gefängnis gestellten Wohnwagen zu pflegen, sondern auch nie den Mut zu verlieren, dass Jermaine vielleicht doch auf Bewährung vorzeitig entlassen wird. 

Die Regisseurin Nele Dehnenkamp sagt zu den Beweggründen für diesen Film, der in enger Zusammenarbeit mit Michelle Bastien-Archer entstanden ist: "Im Rahmen meines Soziologie-Studiums habe ich einen längeren Auslandsaufenthalt in den USA absolviert. Die Thematik der 'Masseninhaftierung' war damals sehr präsent in der öffentlichen Debatte. Man beschäftigte sich damit, wie durch Strafen und Gefängnisse die Ungleichheit in der Gesellschaft aufrechterhalten wird. Doch diese Diskussion hatte vor allem eine männliche Perspektive. Mich interessierte: Was macht es mit den zurückgebliebenen Frauen? Wie erleben Frauen und ihre Kinder die Haftstrafe ihres Partners und Vaters? Als ich dann als Gaststudentin ein Uni-Seminar zum Dokumentarfilm besuchte, war die Idee für den Film geboren." Der Film ist nun ihr Abschlussfilm im Rahmen ihres Regie-Studiums an der Filmakademie Baden-Württemberg. 

Und Michelle Bastien-Archer ergänzt aus ihrer Sicht: "Ich wollte auf das Schicksal von Frauen wie mir aufmerksam machen. Mir ist es wichtig zu zeigen, wie eine Haftstrafe das Leben der betroffenen Familien beeinflusst. Einen inhaftierten Partner zu haben, ist eine große Belastung. Und die wenigsten Menschen wissen das. Im Gegenteil: Sie haben Vorurteile gegenüber Frauen, die mit einem Mann im Gefängnis zusammen sind. Mit diesem Vorurteil wollte ich aufräumen." 

In Deutschland wird der Film u.a. auch in einzelnen Justizvollzugsanstalten gezeigt werden, um mit Betroffenen ins Gespräch zu kommen. Ebenso wurde ein Bildungspaket erstellt, das auch im Schulbereich eingesetzt werden kann. 

Wenn man an diesem Film etwas kritisieren kann, dann höchstens das, dass man relativ wenig über die Fakten erfährt, die zur Verurteilung von Jermaine geführt haben. Inzwischen, so viel wird im Presseheft mitgeteilt, wurde die Bewährung aufgehoben und er ist wieder ein freier Mann, der sich auch beruflich für eine Reform des Justizsystems einsetzt. Er und Michelle arbeiten weiterhin daran, seine Unschuld zu beweisen. Das letzte Wort dazu ist noch nicht gesprochen. 

For the time being
90 Minuten, Englisch mit deutschen Untertiteln 
Buch, Regie, Montage, Bildgestaltung: Nele Dehnenkamp
Produktion: Nele Dehnenkamp, Christine Duttlinger
www.forthetimebeing.de